名称：《视线》– SFMOMA馆藏摄影作品展
时间：截至 2023 年 5 月 7 日
地点：旧金山现代艺术博物馆 第3层
简介：这一充满活力的展览跨越摄影史，探讨了各种主题，包括工作室肖像和无相机摄影。
引言
我们所站的位置直接影响了我们所看到的以及我们在眼前各个物体之间勾画的假想线条。只有通过改变我们的位置——即我们的视线——才能改变我们的视角。“视线”一词起源于维多利亚时代的艺术评论家约翰·拉斯金，用来描述在绘画中从某一视角获得的视野；后来，剧场设计师们用它来描述观众对舞台的视野。在这个展览的语境下，这个词作为一个丰富的隐喻，用来描述观看的关系性质。
《视线》尝试着以新的方式展示SFMOMA的摄影收藏。展示了超过200张摄影作品，其中超过一半是首次展出，它们不再以时间顺序作为指导原则，而是包含多个故事和观点。一些展厅聚焦于个别艺术家或系列作品，而另一些则考虑了摄影技术或主题的演变。所有这些展厅都讲述了同理心、影响力和创新的故事。我们从一个完全致力于早期摄影工作室肖像的展厅开始，探索了摄影如何创造归属感，并以一个横跨历史时期的无摄像机作品的选择作为结尾。在其中，还有一些展厅专门探讨了身体与景观之间的关系，以及路易斯·卡洛斯·伯纳尔 (Louis Carlos Bernal) 在1970年代拍摄的美国西南部的贫民区的彩色照片，以及更多其他主题。这些展厅共同组成了所处位置的不断演变的快照。
当代工作室肖像
与相邻的展厅中的艺术家相比，这里的艺术家们对传统的工作室肖像摄影进行了重新审视和重构。他们通过幽默地参考传统工作室肖像摄影的套路或者运用这一题材来探讨身份，将工作室视为一个合作、实验和想象的场所。
© Internet嘉莉·梅·威姆斯 (Carrie Mae Weems) 是一位社会评论家和摄影艺术家，以其对身份政治、种族和性别议题的深刻探讨和国际认可而闻名。她的这张作品取笑新娘肖像的媚俗美学。
© Internet德国后现代摄影运动（Postmodern Photography）的代表性艺术家之一托马斯·拉夫 (Thomas Ruff) 的作品以巨大的比例模仿了护照照片的中性、分类学风格，挑战了肖像揭示被摄者心理或情绪的观念。
© Internet大卫·罗宾斯 (David Robbins) “拍摄”的照片实际上并不是他本人拍摄的；相反，这十八张头像照片是由一位专业肖像摄影师制作的，讽刺地评论了他这一代艺术家的明星地位。
新藏品
SFMOMA的摄影部门始终保持对当今广泛摄影实践的高度关注，并定期将新的作品加入到收藏中。这个展厅里的作品都是在过去三年中收购的，虽然它们的关注点各不相同，但它们有一些基本的共同点：创作者们用相机探索可见和不可见之间的交汇点。他们对表现的局限性进行了深入探讨，考虑了从个体和集体创伤到记忆的本质和社区的归属感等议题。
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© Internet佐拉·默夫 (Zora J Murff) 和拉娜·扬 (Rana Young) 仿佛通过棱镜一样审视了他们共同的父母缺席的经历，通过一系列充满个人意义的主题挖掘他们的家庭历史。
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© InternetGauri Gill 和 Rajesh Vangad 结合摄影和绘画的语言来传达 COVID-19 大流行在印度造成的破坏。
© Internet安东尼·埃尔南德斯 (Anthony Hernandez) 透过公交车站的穿孔金属屏风拍摄洛杉矶，揭示了城市空间如何既能培育社区，又能引发疏离。
这些作品共同证明了艺术家使用摄影将复杂的想法提练成视觉形式时的无限创意。
路易斯·卡洛斯·伯纳尔
美国西南部的贫民窟是路易斯·卡洛斯·伯纳尔（Louis Carlos Bernal，1941 年出生于亚利桑那州道格拉斯；1993 年于图森去世）最伟大的缪斯女神，他在那里拍摄的富有同情心的彩色照片突出了他与居民的联系。 展出的作品是 Espejo（镜子）的一部分，该项目于 1976 年启动，旨在纪念墨西哥裔美国人法律辩护和教育基金 (MALDEF) 成立十周年。 伯纳尔是受命拍摄墨西哥裔美国人生活的五位摄影师之一。1978 年，在加利福尼亚州奥克兰博物馆展出了由此产生的作品，这些照片于 1982 年由 MALDEF 捐赠给 SFMOMA。
© Internet贝尔纳尔是第一批明确将自己的作品视为“墨西哥裔美国人”的摄影师之一：“我想传达我所发现的东西——新的自豪感，新的自我认知，这在我自己和社区内都在萌芽。墨西哥裔美国人的态度——新的态度——使我们能够接受我们的历史，但也为我们处理现在和未来的现实提供了新的方式。我的影像反映了我作为墨西哥裔美国人所体验到的宗教和家庭联系。我关注了西南地区的神秘主义以及贫民窟的精神和文化价值的力量。这些影像是为我所拍摄的人们而做的。”
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© Internet死亡之谷
© Internet多萝西亚·兰格（Dorothea Lange）将系列作品《死亡之谷》描述为试图展示人类是生与死的积极推动者。她和皮克尔·琼斯（Pirkle Jones）于1956年开始记录纳帕县蒙蒂塞洛镇（Monticello）在被淹没以建造贝瑞莎湖（Lake Berryessa）之前的最后一年。美国开垦局（US Bureau of Reclamation）要求修建一座水坝和湖泊，以为该地区不断扩张的城市提供水源和灌溉。照片展示了在镇子被摧毁之前和之时的生活。牧场、房屋和果园被毁，甚至连墓地都被挖掘出来。
© Internet兰格和琼斯关注的是水资源重新分配所带来的人类代价。他们向社区的历史和维持其凝聚力的价值观致敬，记录了一种即将从景观上被抹去的生活方式。他们从居民那里收集了语录，这些居民对自己的命运没有任何发言权或代理权。《死亡之谷》讲述了人们被迫从他们称之为家的土地上连根拔起的故事，在美国历史上这种情况屡见不鲜。这个系列作品于1960年首次在SFMOMA展出，而其中提出的关于进步的代价的问题至今仍然具有现实意义。
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© Internet变幻的地形
这个展厅探索了过去和现在的摄影师如何将对身体和景观的调查融合在一起。这里汇聚的艺术家们将自然景观视为达到目的的手段，而不是目的本身，打破了我们将土地与我们分开的习惯性看法。
© Internet对于像安妮·W·布里格曼（Anne W. Brigman）和爱德华·韦斯顿（Edward Weston）这样的现代摄影师来说，大自然成为他们与家人、朋友和伴侣进行创造性联系的背景。后来，对景观的概念推动了艺术家们对身体进行概念性审视，比如琼·邓宁（Jeanne Dunning），她运用相机使身体形态陌生化。
© Internet安娜·门迪塔（Ana Mendieta）的《Silueta》系列记录了她的地球-身体雕塑，她将自己印刻到地球中，以在景观和身体之间建立对话。
© Internet最近的摄影师探索了与地点相关的访问和归属问题；在他们的作品中，景观成为抵抗和开垦的场所。洛杉矶出生的艺术家Chanell Stone在公共住房项目的城市花园中拍摄自己，强调自然世界与人的联系不仅仅限于国家公园，而也可以在被忽视的绿地片段中同样存在。
© Internet曾广志（Tseng Kwong Chi）《东西相遇》系列之《加利福尼亚好莱坞山》
© Internet保罗·哈塞尔（Paul Hassel）《牧羊人》系列选辑
无相机摄影
无相机摄影将摄影过程提炼为其最基本的行为：即在感光表面上记录光的存在或缺失。在这里展示的艺术家们通过将相机放在一边，挑战了依赖于透视空间呈现的摄影定义。他们展示了一种不同的叙事方式，突出了创新性的实验和大胆的抽象。从相邻的展厅延伸而来，这种跨历史的选择考虑了放弃相机如何为艺术家提供了新的观看和创作图片的方式。
在这里，无相机摄影可以是前卫实验的场所，也可以是探究相纸物质性的空间。
© Internet曼·雷（Man Ray）将他的作品称为“光线图”（”rayographs”）。为了制作这些作品，他嬉戏地将物体放在感光纸上，然后将其曝光，记录下一种在抽象和表现之间摇摆的超现实现实。
© Internet艾莉森·罗斯特（Alison Rossiter）的作品是使用过期的、因此不稳定的摄影纸制作的。在用化学药剂处理时，这些感光表面产生了多种不同的结果，可能看起来像一幅浪漫的夜景或一个模糊的罗夏克测试图。作为摄影材料性质的倡导者，她在自己的暗房探索中释放了每一张纸的潜在可能性。
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© Internet沃尔夫冈·蒂尔曼斯（Wolfgang Tillmans）是德国当代最具代表性的摄影师之一。展出的Freischwimmer 116是他该系列作品的其中一幅作品。”Freischwimmer”在德语的字面意思是“自由的游泳者”，也是儿童通过游泳测试而获得的徽章的名称。在整个系列中，这个词语为作品赋予了一种诗意，恰当地说，这个短语还有一种比喻意义：学会独立站立。作品中表现的解放的暗示在蒂尔曼斯使用激光光线生成的表面图案中得以体现，因为艺术家放弃了控制，允许光线在纸张表面上自由地印记。蒂尔曼斯2023年在安省艺术馆 (AGO) 有他的专题展，值得去看看。
观后感
- 展中有小展，主题明确，短小精悍，所以观展轻松，容易专注在讨论的主题中，让人眼界开阔，很受启发。
- 肖像摄影摄影偏好无表情摄影（冷面摄影），没有矫揉造作的东西。
- 能现场观看到几位久仰大名的大师的原作，开心。
- 无相机摄影，能搞出这么多花样，茅塞顿开。
注：文字以展览文本为蓝本，翻译以ChatGPT的翻译为基础，图像主要源自官网。不少展出作品由于人体的原因无法转载。